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French drummer Peter Orins and trumpeter Christian Pruvost join Satoko Fujii and Natsuki Tamura to form an electrifying new collective quartet called Kaze on their debut recording, Rafale. Fujii met Orins in November 2002, when her Japanese quartet played on a double bill with Impression in Lille, France. “I had very bad jet lag, but I didn’t feel sleepy at all while they performed before our set because I was so fascinated with their performance,” Fujii explains in her liner notes to the album. “It was not like any music I had heard before. It is wild but it is also very intellectual.”

Almost eight years later, she and Tamura had a chance to perform with Orins and he suggested that they play with Pruvost as well. “His playing is extraordinary—beyond our expectations,” Fujii says. “It sounds unlike anything else.” Their next opportunity to play as a quartet came eight months later in November 2010 in Krakow, at a concert in celebration of the bicentennial of Frederick Chopin’s birth. Tamura composed “Noise Chopin” in honor of the occasion and the great Polish pianist-composer’s spirit hovers over the music on more than one occasion. It was this concert that became Rafale.

The quartet has an instant chemistry and it’s clear from the beginning that there’s no predicting where they will take the music. For instance, on Orins’s “Marie – T,” drummer and pianist engage in a duet of strange juxtapositions and odd contrasts, Fujii playing an explosive, ebbing and flowing solo as Orins maintains a subdued, even-keeled percussion commentary. Then as Fujii plays beautiful, almost Chopin-like chords, Orins counters with eerie high-pitched electronic tones. Tamura and Pruvost are trumpet soulmates, both possessed of antic imaginations and an insatiable curiosity about the kinds of sounds they can get from their instrument. Their opening duet on “Polly” is an extraordinary dialogue of bizarre sounds produced by extended techniques that is both wildly inventive and completely musical. Even as Orins pushes the band with a punishing groove, the trumpeters continue to banter back and forth, inspiring one another. Fujii’s “The Thaw” brings out the group’s more lyrical side, but they still mix sonic abstractions into their melodic improvising. “I hope to keep this project going and see how it grows in future,” Fujii says. “For musicians, getting good collaborators means a lot. It is like getting the best friends in life.”

Orins and Pruvost are both members of the musicians’ collective, Muzzix, based in Lille, France. They are involved together in several project of this collective, such as Circum Grand Orchestra, La Pieuvre, Impression, … and both develop their solo work, Christian Pruvost released his first solo recording in 2010, Ipteravox.

Peter Orins rencontre Satoko Fujii et Natsuki Tamura en 2002, alors qu’il invite à la malterie à Lille le quartet de la pianiste. Ils ont alors l’occasion d’entendre le projet du batteur, Impression, et très vite des liens se créent entre le batteur et la pianiste, une envie de musique, tant les connexions sont évidentes.

Avril 2010, Peter Orins invite enfin les 2 musiciens japonais dans le cadre du festival Muzzix, avec pour quatrième compagnon le trompettiste Christian Pruvost. Naît alors une musique libre et sans limite, où les propositions musicales de chacun (écrites ou non) provoquent une alchimie instantanée. Au jeu explosif et gracieux de Satoko Fujii répond une batterie rock, usant du contrepoint et du contraste, tandis que les deux trompettistes, tous deux possédés d’une imagination antique et d’une curiosité insatiable autour de leur instrument, se complètent et se fondent joyeusement.

Quelques mois après cette création, les musiciens se rencontrent à nouveau pour jouer en Allemagne et en Pologne, notamment pour un concert à Cracovie, dans le cadre du bicentenaire de la naissance de Chopin. C’est à cette occasion que Natsuki Tamura compose Noise Chopin, et Satoko Fujii Blast, deux hommages appuyés au compositeur, et c’est ce concert qu’on retrouve sur ce disque.

Satoko Fujii est une pianiste japonaise prolifique : multipliant les big band (à Tokyo, New York ou Nagoya), elle dirige également plusieurs formations, dont plusieurs quartet et projets avec Natsuki Tamura (Four avec Mark Dresser et Jim Black, Quartet avec notamment Tatsuya Yoshida des Ruins, Min-Yoh Ensemble avec Curtis Hasselbring et Andrea Parkins…). Natsuki Tamura, outre ces projets, mène également son propre quartet, Gato Libre.

Christian Pruvost et Peter Orins sont tous deux membres du collectif lillois Muzzix, issu du Crime et de Circum. Ils participent ensemble à de nombreux projets de ce collectif (Circum Grand Orchestra, La Pieuvre, Impression, Signal Box, …), et ont tous deux un projet solo, Christian Pruvost ayant sorti en 2010 son premier opus, Ipteravox, sur le label Helix/Circum-Disc.


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Happy house is a place of diversity: based on a hybrid architecture, it exploits various styles, from intense lyricism to chaos, playing on contrasts, superposition, or on the contrary absolute unity. The written pieces are the bone structure of a mobile: nothing stays still, and the group takes the listener in a circle of unexpected and irresistible movements. This music, sometimes puzzling, is as bright as a deep commitment, without any trick.

“The scores of guitarist Olivier Benoit take this quartet down the difficult path of destructured jazz, a path which the musicians take with conviction and unrestrained energy. Sometimes puzzling because terribly inventive, this music will be a treat to those who love impulsive explosions tamed by a faultless structure.”

Happy House est un lieu de diversité : à partir d’une architecture hybride, il exploite des registres variés, du lyrisme intense au chaos, jouant le jeu de l’opposition, de la superposition ou au contraire de l’unité la plus radicale. L’écriture est l’ossature d’un mobile : aucun élément ne reste figé, et l’ensemble entraîne l’auditeur dans un cercle de mouvements imprévus et irrésistibles. Cette musique parfois déroutante a l’éclat d’un engagement profond, sans artifice.

Disque paru en 2003 sur le label Kinpatsu.


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Though it was always urban, Impression’s music is now clearly oriented towards rock, while still mixing written music and improvisation. Always on the lookout for new sounds, the quintet allows for unusual uses of instruments, unexpected combinations, and limitless experiments. The influences are numerous, but always kept at a distance: we can hear echoes of Ornette Coleman, Paul Motian, Tim Berne, Steve Coleman or Jim Black… A hybrid universe, which plays on confrontations between the acoustic and the electric, where rhythm is of the essence, as well as a dynamic exchange between the band members. This music is free, contrasted, electric; it evades us, but still creates a whole world of its own, dense and eclectic.

“LE BÉNÉFICE DU DOUTE” est le second disque du groupe IMPRESSION, groupe fondé en 1992 autour d’OLIVIER BENOIT (guitare), CHRISTIAN PRUVOST (trompette), STEFAN ORINS (piano), CHRISTOPHE HACHE (basse) et PETER ORINS (batterie). Les compositions originales sont aujourd’hui essentiellement de ce dernier.

Ce second disque est produit par IMPRESSION et CIRCUM. Il a été enregistré en juin 2003 au Studio Ka à Fâches Thumesnil (59) par Benjamin Mraz.

On y trouve 7 compositions de PETER ORINS, et 2 improvisations collectives.

Musique urbaine, elle est aujourd’hui clairement orientée vers le rock, mélangeant toujours écriture et improvisation. A la recherche de sonorités nouvelles, le quintet permet les détournements de fonctions des instruments, les combinaisons inattendues, les expériences sans limite. Les influences sont nombreuses, mais toujours prises avec distance : on pense à Ornette Coleman, Paul Motian, Tim Berne, Steve Coleman ou Jim Black… Un univers hybride, qui joue des confrontations acoustiques – électriques, où le rythme est fondamental, aussi bien que la communication réactive entre les musiciens. Une musique libre, contrastée, électrique, qui nous échappe, mais qui crée malgré tout un univers à part entière, dense et éclectique.


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Taking its inspiration from Scandinavian landscapes, Stefan Orins’s pieces mix harmony, density and energy. Behind the pianist’s tunes, which indicate paths to follow rather than compositions in the classical sense, hides a very northern sensibility which suggests the spark of life contained in every little thing. His Swedish roots provide the inspiration that give this music its sense of space and its aerial quality, reminding the listener of Keith Jarrett in the 70s, of Bobo Stenson, or of John Taylor. The group goes beyond the traditional clichés of the piano-bass-drums trio, by putting the communication between musicians at the forefront. The energy flows; spontaneity, lyricism, and simplicity are the keywords here.

NATT RESA est le premier album du trio fondé par le pianiste STEFAN ORINS en 1995, autour du contrebassiste CHRISTOPHE HACHE et du batteur PETER ORINS.

S’inspirant de la nature scandinave, le pianiste écrit des morceaux mêlant allégrement harmonie, densité et énergie. Derrière les mélodies de Stefan Orins, qui indique des chemins à suivre plus que des compositions au sens classique du terme, se cache une sensibilité toute nordique qui suggère l’étincelle de vie contenue dans chaque chose. Il puise en effet dans ses origines suédoises l’inspiration qui donne cette musique aérienne et pleine d’espace, qu’on pourrait rapprocher de celle de Keith Jarrett des années 1970, de Bobo Stenson ou encore de John Taylor. Le groupe transcende les habituels clichés du trio piano-contrebasse-batterie, en y mettant au premier plan la communication entre les musiciens. L’énergie circule, la spontanéité, le lyrisme et le dépouillement sont de mise. Un disque à savourer pleinement, à l’acoustique époustouflante.

Enregistré en juillet 2003 au Studio Ka à Fâches Thumesnil par Benjamin Mraz, on trouve sur ce 1er disque 10 compositions originale de Stefan Orins.


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CIRCUM GRAND ORCHESTRA is indeed not your ordinary jazz band. When the twelve musicians from CIRCUM, a variable-shaped posse, join forces, you get a double rhythm section (two guitars, two basses, two drums and a piano), reinforced by a powerful wind/brass section of five, and a repertoire which goes from free-form jazz to saucy songs. The result is intense music with a rock’n’roll energy, a music that dares to play, and to free itself from stylistic bonds.

This out-of-the-ordinary band was bound to make an extraordinary record: born from their meeting with singer CHARLENE MARTIN, this is the result of a year-long work on the song format, and more precisely on French chanson (a definite style in itself), a new territory for a music that was mainly instrumental.

The challenge behind this music, written in 2004 by OLIVIER BENOIT, SEBASTIEN BEAUMONT, CHRISTOPHE HACHE et PETER ORINS, was to offer new and contemporary vocal jazz, without any compromise, and with the legacy of free jazz and rock’n’roll in mind.

Formation exceptionnelle, CIRCUM GRAND ORCHESTRA l’est assurément : les 12 musiciens de CIRCUM, collectif à géométrie variable, double section rythmique (2 guitares, 2 basses, 2 batteries et un piano) appuyée par cinq vents des plus énergiques, des compositions riches et variées qui vont du jazz le plus expérimental à la chanson délurée. Tout cela donne une musique dense et rock’n’roll, qui n’hésite pas à se jouer d’elle-même et à s’affranchir de toute contrainte stylistique.

Disque exceptionnel donc, fruit de la rencontre avec la chanteuse CHARLÈNE MARTIN et aboutissement d’un travail autour de la chanson dans cette musique à priori instrumentale.

Créée en 2004, la musique écrite par OLIVIER BENOIT, SÉBASTIEN BEAUMONT, CHRISTOPHE HACHE et PETER ORINS s’est donnée comme défi de proposer un jazz chanté neuf et contemporain, sans compromis, avec à l’esprit l’héritage du free-jazz et du rock’n’roll. Quatre des neuf morceaux du disque sont portés par des textes de jeunes auteurs (SOLVEIG GODELUCK, BARNABÉ MONS, SÉBASTIEN BEAUMONT) ou d’un poète de renom (“Debout” de GUILLEVIC).


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Taking its inspiration from Scandinavian landscapes, Stefan Orins’s pieces mix harmony, density and energy. Behind the pianist’s tunes, which indicate paths to follow rather than compositions in the classical sense, hides a very northern sensibility which suggests the spark of life contained in every little thing. His Swedish roots provide the inspiration that give this music its sense of space and its aerial quality, reminding the listener of Keith Jarrett in the 70s, of Bobo Stenson, or of John Taylor. The group goes beyond the traditional clichés of the piano-bass-drums trio, by putting the communication between musicians at the forefront. The energy flows; spontaneity, lyricism, and simplicity are the keywords here.

Une tempête d’émotions souffle sur une petite mélodie qui résonne comme un air traditionnel… Et la poésie s’élève de ce trio en harmonie constante… Un piano aérien, une basse lumineuse, la batterie enivrante, une musique dense qui nous transporte loin, vers les sommets de notre imagination. Derrière les mélodies de Stefan Orins, qui indique des chemins à suivre plus que des compositions au sens classique du terme, se cache une sensibilité qui suggère l’étincelle de vie contenue dans chaque chose. Une merveille de pureté pour le plus grand plaisir des sens.

Après un premier album remarqué en 2004 (Natt Resa – Circum-Disc) et une série de concerts en 2005, notamment dans les festivals adhérant à l’AFIJMA (Paris Jazz Festival, Cluny, Nevers, les Django d’Or, Festival de Jazz de Tourcoing, Reims, …), le Stefan Orins Trio sort son deuxième album « Bonheur Temporaire ». Il renouvelle la forme du trio piano-contrebasse-batterie avec un sens de la mélodie et une complicité hors du commun. Avec des titres inspirées notamment de la philosophie bouddhique, Stefan Orins propose une musique sensible et énergique, improvisée et lyrique. A découvrir absolument !

Enregistré au Studio Ka à Faches Thumesnil du 30 janvier au 1er février 2006 par Benjamin Mraz, mixé et monté en février 2006 au Studio Ka par Benjamin Mraz. Mastering chez Dyam Music à Paris par Raphaël Jonin.


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La Pieuvre was formed in 1999 by an initially informal group of musicians who wanted to try out a new pattern of collective work. It draws its members from a varied musical scene and has brought together players from numerous smaller groups working at the freer end of jazz and rock as well as in electronic and instrumental contemporary music.

This extended unit has its place in the field of European large-group improvisation, but should also be seen in the context of the ‘conduction’ movement, exemplified by the methods of such as Butch Morris – although there is no claim made here for him either as a frame of reference or a point of departure. The music unfolds moment by moment, shaped on the instant by the gestures addressed to the living organism in front of him by Olivier Benoit (in his other role than as guitarist). Signs, looks, gestures and mime, the whole range of body-language is called upon in this exchange. The desire for interaction – implying precision and looseness, interpretation and distortion, the two-way flow of information, in which individual autonomy goes hand in hand with a sense of collective responsibility – makes available a sound-world of great richness, and makes of this singular ensemble perhaps more a platform for research into conducted improvisation than a performing orchestra.

The conductor’s vocabulary of signs, in continual process of development, is worked out and assimilated as the need arises, ever more finely tuned to meet the demands of the conductor: texture, timbre, duration, motif, sweep, rhythmic cycles and loops, antiphonal and stereophonic interplay (facilitated by the layout of the orchestra and the doubling of certain instruments) are mobilized into spontaneous through-composition. The energy at its source is drawn out and woven into a unique music, flowing and unobstructed.

Over the last few years La Pieuvre has explored many avenues of research. The practical results display the resolutely musical thought which has always been its guide. With this in mind, the recordings put together here act as a showcase for this contemporary orchestra’s commitment to its longterm venture. Whether in the studio or the open air, the concert hall or the radio broadcast, accompanying dance or silent film, its work remains inseparable from the very fabric of sound.

Formée à Lille en 1999 par un collectif d’abord informel de musiciens improvisateurs désireux d’expérimenter une forme originale de pratique collective, La Pieuvre fédère une scène complexe et recèle de nombreux groupes aux effectifs plus réduits s’adonnant autant au rock et au jazz (dans leurs ramifications les plus free) qu’à la musique contemporaine, électronique ou sur bandes…

Cette grande formation s’inscrit non seulement dans le champ de la musique improvisée européenne en orchestre mais aussi dans la mouvance de la conduction telle qu’a pu, par exemple, la formaliser Butch Morris (ce dernier ne constituant cependant, dans le cas présent, ni une référence ni un point de départ connu ou revendiqué); la musique s’y façonne dans l’instant, se révélant au fur et à mesure qu’elle se fait, sculptée par les signes qu’Olivier Benoit (au demeurant guitariste) adresse à l’organisme vivant qui lui fait face. Gestes, regards, mouvements et mimiques : tous les moyens corporels concourent à cette transmission. Le choix de l’interactivité – qui implique précision et latitude, interprétation et altération, allers et retours d’informations – se voit doublé d’une autonomie et d’une responsabilité individuelles qui confèrent toute sa richesse à l’univers déployé et qui font de cet ensemble singulier un espace de recherche bien davantage qu’un orchestre d’improvisation dirigée.

Le vocabulaire gestuel, en extension et raffinement continuel, s’élabore et s’assimile in situ, s’adaptant à l’exigence du conducteur : textures, timbres, durées, motifs, cycles et boucles rythmiques, jeux d’opposition, de stéréo ou de multiphonie (que facilitent la topographie du groupe et le redoublement de l’effectif dans certaines fonctions musicales), sont convoqués dans une forme qui se crée, inventée à tous ses degrés, et où convergent les mouvements à l’énergie ductile qui la réalisent : œuvre ouverte, continue et musique unique.

Rendant compte des recherches conduites ces dernières années et toujours appliquées à une pensée musicale résolue, ces enregistrements montrent l’engagement d’un orchestre contemporain dans une aventure au long cours – du studio au plein air, de la salle de concert à l’émission de radio, du plateau de danse à l’accompagnement de film muet – au plus près des vibrations et grains du son.


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For almost a decade La Pieuvre have been engaged in conducted improvisation under the direction -“conduction”- ofOlivier Benoit. In the course of their various projects there has developed a unique working relationship between orchestraand conductor, an ever more refined gestural language allowing meticulously accurate intercommunication and theexploration of a richly varied sound-world – witness the pieces recorded on their first album, 1999-2005 (Helix LX001).

While La Pieuvre is creatively most at home with spontaneous composition, they are nonetheless open to working theresults of their experiments into pieces of a more predetermined form – the difference lying simply in the way time isconsidered. So the transition to “composing” becomes a shift of emphasis, not a fundamental change, to do with the alreadyvariable time-lag between two moments, that of conception and that of interpretation.

The play on time, in all senses of the word, can be seen on many levels in the origins and performance of the piece called”Ellipse”. Inspired by the work of the dancer choreographer and doctor David Flahaut, the work exploits the physicalcapacities of each player, his heartbeat, his breathing and his stamina.. The four movements not only unfold without a break,- the track numbers on the CD act merely as reference points for the listener – but employ a highly individual treatmentof time (and equally a unique sound-space, achieved, both in the studio and on stage, by careful placing of the instruments,according to their relative power, along the outline of a perfect ellipse.

The opening section, acting like an airlock, establishesthis new time-sense. A continuous wall of sound – electric and percussion instruments only – breaks on the ear,oppressive and unsettling, demanding unusual levels of attention.

Is this so very far from the experience Cage had in the anechoic chamber, which led him to his new concept of silence?Cut off from all external sound he was made aware of the sounds of his own body – the high register of his nervous system,the throb of his circulation and heartbeat.

And it is the heartbeat of each musician, the personal “counter” whose rate varies with exertion and the prolongedholding of the breath, that Benoit employs as the key to the second movement of his piece. The initial harmonic elements areremixed and displaced according to a rhythmic system based on varying ratios of sound to silence, all subject to theinstability of the pulse-counts. The third part of Ellipse develops this quasi-regularity – or rather this interweaving ofdifferent quasi-regularities – into a strictly metronomic activity where measured time, paradoxically through the agency ofpulse, breaks down into pure texture. Time, transformed, gives way to sound. Simultaneous cross-rhythms, emphasized bythe layout of the band, come to dominate the end of the movement. Each sub-group confronts the others in games ofopposition and attraction between slightly differing tempos, resulting in what could be called an intricate “multirhythm”.

The fourth and final movement rounds off the figure with a slow repetitive progression. Here auditory – and widersensory – perceptions become altered; the musician senses a realignment of what were his strengths and weaknesses,physical and technical; his pulse quickens in his heightened awareness; time seems to eddy and shift!.

What then does the ellipse signify? The word in French denotes not only a certain curve, but also a figure of syntax, English”ellipsis”, also “eclipsis”, where parts of a sentence are left out; thus a gap, a contraction, a short cut!

Placé sous la conduction d’Olivier Benoit, le grand orchestre de La Pieuvre pratique depuis une décennie l’improvisation dirigée selon un langage unique, méticuleusement développé au fil des projets. Les interactions à l’oeuvre dans cette formation ont permis l’exploration de diverses aires sonores et l’élaboration d’une communication gestuelle qui va se raffinant – comme en témoignent les pièces enregistrées sur le premier disque du groupe (1999-2005, Helix LX 001).

Si la composition spontanée reste le mode d’invention musicale naturel de cet orchestre, une forme de préméditation (nourrie d’expérimentations antérieures) peut se faire jour – la distinction des deux pôles ne tenant finalement qu’à une appréciation différente du temps. Ainsi le “passage à la composition” n’est-il qu’un glissement, de degré et non de nature, dans le modus operandi, jouant de la distance fluctuante entre moment de conception et instant d’interprétation.

Ce jeu sur le temps, avec tout ce que les acceptions du terme impliquent, se retrouve, à bien des niveaux, dans la genèse et la mise en oeuvre de la pièce intitulée Ellipse; inspirée par le travail du danseur, chorégraphe et médecin David Flahaut, elle repose, dans ses quatre parties, sur le rythme cardiaque, le souffle ou la résistance physique de chaque instrumentiste. Elle se déploie non seulement continûment – et les index disposés sur son cours ne sont que des repères pour l’auditeur – mais surtout dans une temporalité propre (et un espace singulier car, en studio comme sur scène, l’orchestre adopte une disposition précisément elliptique conçue, selon la puissance des différents instruments, pour une spatialisation particulière du son) qu’instaure, tel un sas, le cluster électrique liminaire : le statisme de cette première partie éclatant soudainement remodèle l’écoute, ébranle le corps et fait vaciller les repères.

L’expérience à laquelle Cage doit la révision de sa conception du silence en est-elle si éloignée ? Enfermé dans une chambre anéchoïque, c’est face aux bruits de son corps qu’il se trouve placé : le système nerveux tient les aigus; la circulation sanguine et le coeur, les graves…

C’est justement à cette pulsation cardiaque, envisagée pour chaque musicien comme “compteur” strictement individuel et variable (au gré du stress ou de l’apnée habitée qui succède à l’ouverture), qu’Olivier Benoit confie la clef du deuxième mouvement de sa pièce : les données harmoniques se compliquent de paramètres rythmiques (un ratio évolutif associant son et silence) eux-mêmes assujettis aux instabilités des pouls. La troisième partie d’Ellipse est une extrapolation progressive de cette quasi-régularité (ou de ces quasi-régularités hétérogènes) qui aboutit à une activité proprement métronomique où déjà s’abolit, paradoxalement à force de rythme, le temps chronométrique, se dissolvant en texture, au profit du son, pour une durée reconfigurée. La polyrythmie qui finit par dominer est accentuée par la division de l’effectif en sections qui se voient confrontées les unes aux autres dans des jeux d’opposition et d’attraction de tempos légèrement décalés – confinant à ce qu’il faut bien appeler une complexe “multirythmie”. Le quatrième et dernier volet de la pièce vient clore la figure géométrique en bouclant lentement une progression au cours de laquelle, entre altération des perceptions (auditives ou plus largement corporelles), modification des facultés ou fragilités (physiques et techniques, chez le musicien) et transes charriant leurs tachycardies, se sont créés des effets de glissement dans la chronologie…

Quant à savoir si l’ellipse désigne alors un vide temporel, une omission, un raccourci ou une courbe particulière…


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Olivier Benoit plays solo since 1998. He has developed since those years specific work on the instrument, at the edge of prepared guitar or otherwise “effects” guitar, preferring to take advantage of the instrument “as it is” and as expressed.

The material and the acoustic space

In his solo, he developed a large timbral vocabulary, although he uses very few utensils and very little effect. Because he focused his research on intrinsic properties of the instrument, turning it into an ultra sensitive plate, seeking a mastery and ever greater precision. The music, though made of high feedback controlled, raw sounds, frictions of silence, stillness, tension or in the contrary relaxation, extreme speed, does not want to be a music of “effects” or a “catalog of sounds.”

Musical discourse

Musical form, whatever the project he works with (with la Pieuvre or solo here) is an absolutely essential factor in his speech, which makes music sometimes close to contemporary music, as the structure takes on a prominent place.

The improvised aspect of his work allows him to maintain this state of emergency, this freedom, this opportunity to seize on the elements / events / bumps / accidents that may occur in situ, whether due to the acoustics of a room, the quality of the amplifier, the mental state or even the ambient humidity.

Olivier Benoit joue en solo depuis 1998. Il a développé depuis ces années un travail spécifique sur l’instrument, en marge de la guitare préparée ou au contraire de la guitare “à effets”, préférant tirer partie de l’instrument “tel qu’il est” et tel qu’il s’exprime.

La matière et l’espace sonore

En solo, il développe un vocabulaire timbral large, bien qu’il n’utilise que très peu d’ustensiles et très peu d’effets. Car il concentre ses recherches sur les propriétés intrinsèques de l’instrument, transformant celui-ci en une plaque ultrasensible, en quête d’une maîtrise et une précision toujours plus grandes. La musique, bien que faite de larsens très contrôlés, de sons bruts, de frottements de silence, d’immobilité, de tensions ou au contraire de relâchements, de rapidité extrême, ne se veut pas une musique “d’effets”, ni un “catalogue de sons”.

Le discours musical

La forme musicale, quel que soit le projet mis en œuvre (avec la Pieuvre ou ici en solo) est un facteur absolument essentiel de son discours, qui rend la musique parfois proche de la musique contemporaine, tant la structuration y prend une place prédominante.

L’aspect improvisé de son travail lui permet de maintenir cette état d’urgence, cette liberté, cette mise en danger, cette possibilité de saisir au vol les éléments/évènements/aspérités/ accidents qui peuvent apparaître in situ, qu’ils soient dus à l’acoustique d’une salle, à la qualité de l’amplificateur, à l’état psychique, ou même à l’humidité ambiante.


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Band formed in 1992 by Olivier Benoit, Happy House includes experienced musicians who, after a decade in the spheres of contemporary French jazz, hit a remarkable individual and collective musical maturity. Members of the Orchestre National de Jazz, multiplying collaborations with musicians as Christophe Marguet, Claude Barthelemy, Joëlle Leandre, Martial Solal, Dave Liebman, the four musicians continue serenely their respective careers.

Happy House recently celebrated its 15th anniversary. For this anniversary, Happy House has created new music, temporarily taking his distance from the influence of free jazz of the previous period. Olivier Benoit had fun playing against what was the personality of the orchestra, writing an exclusively melodic music, seemingly simple, but influenced by the rhythmic play and sound of rock music, playing and beating effects melodies used in loops (without machine).

Yet the nature of Happy House remains the same in its beginning : dynamic, intense, invested …

Groupe constitué en 1992 par Olivier Benoit, happy house compte dans ses rangs des musiciens d’expérience, qui, au bout d’une décennie passée dans les sphères du jazz contemporain français, ont atteint une maturité musicale individuelle et collective remarquable. Membres de l’ONJ, multipliant les collaborations avec des musicien(ne)s comme Christophe Marguet, Claude Barthélémy, Joëlle Léandre, Martial Solal, Dave Liebman, les quatre musiciens poursuivent sereinement leurs carrières respectives.

Happy house a fêté recemment ses 15 ans d’existence. Pour cet anniversaire, happy house a créé un nouveau répertoire, prenant provisoirement ses distances avec l’influence free jazz de la période précédente. Olivier Benoit s’est amusé à prendre le contre-pied de ce qui faisait la personnalité de cet orchestre, en écrivant un répertoire exclusivement mélodique, en apparence simple, mais influencé par le jeu rythmique et le son rock, jouant et se jouant des effets de mélodies mises en boucles (sans machine).

Pourtant, le caractère d’happy house reste le même qu’à ses débuts : dynamique, intense, investi…

Enregistré, mixé et monté au Studio Lakanal à Montpellier par Boris Darley en octobre 2007. Mastering chez Marwan Manley Mastering à Paris par Marwan Danoun.


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